Pop Art ist eine Kunstbewegung, die in den 1950er Jahren in Amerika und Großbritannien entstand und in den 1960er Jahren ihren Höhepunkt erreichte. Diese Bewegung wurde von der populären und kommerziellen Kultur inspiriert und begann als Rebellion gegen traditionelle Kunstformen.
Die Pop-Künstler waren der Meinung, dass die in Museen ausgestellte Kunst oder in Schulen unterrichtete Kunst die reale Welt nicht repräsentierte. Stattdessen suchten sie nach Inspiration in der zeitgenössischen Massenkultur. In ihrer Blütezeit wurde Pop Art oft als “Anti-Kunst” bezeichnet, weil sie sich nicht an die zeitgenössischen Kunststandards hielt.
In diesem Leitfaden beantworten wir einige der häufigsten Fragen zu dieser Kunstrichtung. Erfahren Sie, wer die “Pop” in der Pop Art verkörperte und warum dieser Stil heute eine der bekanntesten Formen der modernen Kunst ist.
Was sind die Hauptmerkmale der Pop Art?
Die Kenntnis dessen, was der Begriff “Pop Art” bedeutet, kann helfen, die wichtigsten Ideen dieser Bewegung zu verstehen. Der Künstler Richard Hamilton hat die “Eigenschaften der Pop Art” in einem Brief an seine Freunde zusammengefasst.
Er erklärte den Begriff Pop Art in einfachen Worten: Beliebt (für ein Massenpublikum konzipiert), Vergänglich (kurzfristige Lösung), Verzichtbar (schnell vergessen), Günstig, Massenproduziert, Jung (für Jugendliche bestimmt), Witzig, Sexy, Gimmickhaft, Glamourös, Großes Geschäft.
Wie erkennt man Pop Art?
Pop Art lässt sich oft anhand ihrer Verwendung beliebter Verbrauchersymbole erkennen. Dies können Haushaltsgegenstände wie die bescheidene Dose Bohnen in Andy Warhols Campbell’s Soup Cans von 1962 sein oder auch ikonische Berühmtheiten wie Marilyn Monroe in Marilyn Monroe, I von James Rosenquist, einem weiteren wichtigen Vertreter dieser Bewegung.
Um dies zu verdeutlichen, sagte Warhol: “Pop-Künstler haben Bilder gemacht, die jeder, der die Broadway-Straße entlanggeht, in Sekundenschnelle erkennen kann – Comics, Picknicktische, Männerhosen, Berühmtheiten, Duschvorhänge, Kühlschränke, Colaflaschen”, all die modernen Dinge, die Künstler zuvor in ihrer Arbeit zu vermeiden versuchten.
Tatsächlich spielt die Verwendung von Marken- oder kommerziellen Symbolen eine besonders wichtige Rolle in der Pop Art. Die Einbeziehung von Logos oder unpersönlichen Bildern verstärkte die Idee, dass Kunst von allem und jedem inspiriert sein kann, nicht nur von Geschichte, Mythologie oder Moral.
Pop Art wird oft durch kräftige Farben charakterisiert, insbesondere die Primärfarben Rot, Blau und Gelb. Die Farben sind in der Regel lebhaft und ähneln einer typischen Comic-Farbpalette. Diese Farben repräsentierten nicht die innere Welt oder das eigene Selbst des Künstlers, wie es in früheren klassischen Kunstformen oft der Fall war, sondern spiegelten die lebendige, populäre Kultur um sie herum wider.
Welche Techniken werden in der Pop Art verwendet?
Ähnlich wie beim Dadaismus haben Pop-Künstler oft ungewöhnliche und unsinnige Kombinationen von “gefundenen” oder “fertigen” Objekten und Bildern aus der populären, politischen oder sozialen Welt erstellt. Diese Objekte oder Bilder werden oft in Collagen präsentiert, die in einem künstlerischen Prozess namens Appropriation angeordnet sind. Dies bezeichnet das Kopieren, Ausleihen oder Verändern von Bildern oder Objekten aus der Massenkultur.
Mit dem Aufkommen der Konsumkultur und einer Vielzahl visueller Phänomene dank ständig wachsender Massenmedien erlangte Appropriation in der Kunst eine völlig neue Bedeutung.
Pop-Künstler haben auch Verfahren der Designindustrie übernommen, wie zum Beispiel den kommerziellen Siebdruck und extrem grafische Layouts, die Werbung, Plakate, Kataloge und andere Marketingpropaganda in ihrer Umgebung nachahmen. Aus diesem Grund wurde der Stil ursprünglich als “Propaganda Art” bezeichnet.
Was macht die Pop-Art-Bewegung einzigartig?
Mit der Feststellung, dass Künstler die großartigen modernen Dinge, die alle anderen bemerkt haben, ignorierten, betonte Andy Warhol, dass Kunst zu dieser Zeit völlig von der realen Welt und den wirklichen Menschen getrennt war. Die Besessenheit vom Pinselstrich hatte eine Atmosphäre der Exklusivität geschaffen.
Eine der Besonderheiten der Pop-Art war die Tatsache, dass sie sich auf so “reale” und relevante Themen konzentrierte, was von den Kritikern des Modernismus offen abgelehnt wurde. Pop-Künstler verwischten die Grenzen zwischen “niedriger” und “hoher” Kunst, indem sie die Kluft zwischen Populärkultur und klassischer Kunst überbrückten und die traditionellen Parameter dessen, was Kunst ausmacht und was es bedeutet, ein Künstler zu sein, neu definierten.
Die Pop-Art-Bewegung ist wichtig, weil sie Kunst für die Massen zugänglich gemacht hat, nicht nur für die Elite. Da dieser Stil von kommerziellen Figuren und kulturellen Momenten inspiriert war, wurde er von der breiten Öffentlichkeit anerkannt und respektiert. Endlich gab es eine Kunstform, die nicht nur relevant, sondern für jeden zugänglich war. In gewisser Hinsicht war Pop Art “Kunst für das Volk”.
Was ist der Unterschied zwischen amerikanischer Pop Art und britischer Pop Art?
In den USA wurde der faszinierende “American Dream” von Erfolg, Schönheit und Geld von einer Kultur des Star-Kults in den 50er und 60er Jahren vorangetrieben. Der Einzug des Fernsehens in praktisch jeden Haushalt des Landes wirkte sich auf die gesamte kulturelle Landschaft aus. Jeder Haushalt wurde mit den Gesichtern und Ideen von US-Musikern, Athleten, Schauspielern und Politikern gefüllt, die das neue amerikanische Zeitalter priesen.
Während amerikanische Künstler von dem inspiriert wurden, was sie in ihrer eigenen Kultur und Gesellschaft sahen und erlebten, wurde die britische Pop Art im Wesentlichen von außen beeinflusst.
Die britische Pop Art schöpfte aus einer Außensicht, indem sie Vokabular, Bilder und Objekte aus der amerikanischen Nachkriegszeit auslieh. Getrieben von dem Wunsch, einer kaum erholt wiederhergestellten Nachkriegspleitenation zu entkommen, schufen britische Künstler Kunst, die das glänzende amerikanische Traum idealisierte – oft ironisch – wie er im Fernsehen, in Zeitungen und in der Werbung gefeiert wurde.
Wer sind berühmte Pop-Künstler?
Andy Warhol, David Hockney, Richard Hamilton und Roy Lichtenstein gelten als die ursprünglichen Pop-Künstler.
Richard Hamilton wurde oft als Gründungsvater der britischen Pop Art bezeichnet, da er die Ziele und Ideale der Bewegung definierte, wie oben beschrieben. Hamilton glaubte, dass Kunst nicht nur in Galerien und Ausstellungen stattfinden sollte, sondern ein Lebensstil sei. Er trug somit dazu bei, Kunst in den Mainstream zu bringen und nicht nur für private Ausstellungen vorbehalten zu sein.
Andy Warhol, vielleicht der bekannteste Vertreter der Bewegung, nutzte seinen eigenen Prominentenstatus, um Pop Art in anderen künstlerischen Bereichen zu verbreiten, insbesondere im Film. Tatsächlich wird er oft als der Vorvater des Independent Films angesehen.
In unserer kuratierten Warhol-Kollektion finden Sie Kunstwerke, die von Andy Warhols Stil inspiriert sind.
Ist Pop Art heute noch relevant?
Viele zeitgenössische Pop-Künstler halten die Bewegung nicht nur am Leben, sondern bringen sie auch zum Erblühen. Zu den beliebten Pop-Künstlern von heute gehören Neo-Pop-Künstler wie Jeff Koons, der ikonische Alex Katz und die immersive japanische Künstlerin Yayoi Kusama.
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